Creo que su respuesta está en la pregunta misma. El trabajo de Kaufman es profundo y original … y existencial, absurdo, autocrítico, inteligente, nebuloso, hábilmente trazado y elaborado, y sobre todo, conceptual e iconoclasta.
Piense en las premisas de Ser John Malkovich , Adaptación , Confesiones de una mente peligrosa , Eternal Sunshine of the Spotless Mind , o la bola realmente extraña, Synecdoche, Nueva York, tal vez la destilación más pura del cosmos y la estética de Kaufman, tal vez como resultado de su doble deber como guionista y director . Estas no son películas convencionales. Estos definitivamente NO son un concepto alto. No entras en la oficina de un ejecutivo de estudio y lanzas fácilmente una película de Charlie Kaufman como si fuera una película de Spielberg. “Great White Shark ataca y aterroriza a los vacacionistas en un pequeño pueblo costero de Nueva Inglaterra, hasta que finalmente es perseguido y explotado por el valiente Sheriff del pueblo”. Intenta describir una película de Kaufman en una sola oración y captura realmente todo lo que es. La frase anterior ES todo lo que Jaws es, no obstante una buena película. Sus películas son un ejercicio cerebral, y son notables por su pastiche posmoderno e incorporación del absurdo, el expresionismo alemán, la nueva ola francesa, las técnicas narrativas de vanguardia y el surrealismo. Este no es el tipo de películas que la gente ve. Ellos ven peliculas. Con palomitas de maíz y dulces, y Vin Diesel chocando autos en aviones y girando en el aire. Vivimos en una cultura Fast and the Furious, y las películas como la de Charlie Kaufman se consideran demasiado raras, difíciles de seguir, no inmediatamente claras, demasiado intimidantes, poco realistas, tontas, deprimentes, lentas y cualquier otra descripción despectiva, personas con gustos y Las mentes indiscriminadas llaman al cine que no solo vende entradas, sino que se destaca solo como una obra de arte. El cine de Charlie Kaufman tiene una forma artística y una manipulación magistral para nosotros.
Se podría decir que los guiones de Kaufman tienen más que ver con la forma que con el contenido. Sus personajes son personajes de Beckett o Ionesco, lanzándose a través de este éter que llamamos vida, indecisos sobre si ir o quedarse, y paralizados por su propia molestia. Todo mientras capta vislumbres momentáneos de alegría inefable y vida que afirma la humanidad. Al igual que Waiting for Godot, sus personajes son todos él, en infinitas variedades, esperando propósito y significado, mientras siempre se interponen en su propio camino e invariablemente nos golpean, el voyeur consciente de sí mismo, con absurdo y farsa cómica. En el mundo de Kaufman, se viola la cuarta pared y nos convertimos en parte de la acción. Las líneas entre ficción y realidad se vuelven borrosas.
Recordemos la película Being John Malkovich … un título que nos dice que el actor será el tema de la película Y un actor en una película sobre ser el actor de la vida real. La película es meta, y se duplica constantemente sobre sí misma, comentando su propio absurdo y no nos acerca a la esencia del verdadero John Malcovitch, incluso cuando entramos en el cerebro del hombre. Es una mirada profundamente reflexiva y compleja sobre la celebridad, la autoconciencia, amar a una mujer, no a tu esposa, y la dualidad del hombre. Fue un guión tan profundamente peculiar y original, que tuvo dificultades para encontrar un hogar. Los productores de Single Cell, Michael Stipe y Sandy Stern, presentaron la película en numerosos estudios, incluido New Line Cinema, que abandonó el proyecto después de que el presidente Robert Shaye preguntara: “¿Por qué diablos no puede ser Ser Tom Cruise?” ¡Es lógico pensar que si tienes una historia completamente extraña y no comercializable para contar, especialmente necesitas una buena cara para venderla! ¿Quién demonios es John Malkovich? Cruise vende películas. El director Spike Jonze reveló en una entrevista de septiembre de 2013 que Malkovich le hizo la misma pregunta durante su primera reunión y también transmitió la actitud de Malkovich después de que comenzara la filmación: “O bien la película es una bomba y no solo tiene mi nombre encima del título sino también mi nombre en el título, así que estoy jodido de esa manera; o me va bien y siempre estoy asociado con este personaje “. Esta no es la típica comida taquillera de las palomitas de maíz.
Sus narraciones son iconoclastas y posmodernas, y desafían incluso las reglas más básicas de narración y construcción de guiones. Sus personajes rompen la cuarta pared; tener encuentros surrealistas y absurdos el uno con el otro; a veces somos amigos y enemigos, extraños y familiares, como si estuviéramos conociendo partes desconocidas de nuestra propia psique; los hechos y la ficción son borrosos, incluso dentro de los límites de la película misma; las películas emplean momentos brechtianos de no solo romper la cuarta pared, sino reconocer al equipo de cámaras y prescindir de la ilusión del realismo y la formalidad del juego de roles actor-audiencia; los narradores no son confiables y no siempre tienen en mente los mejores intereses de la audiencia; la “personalidad” de cada una de sus películas está dominada en gran medida por la personalidad narcisista solipsista de Kaufman, ya sea real o ficticia, el público solo puede suponer; Las historias tradicionales y los tropos familiares de Hollywood se voltean sobre sus cabezas y se cuentan de maneras nuevas e inusuales. Los ajustes innovadores y posmodernos de Kaufman con forma, secuencia de eventos, dispositivos narrativos y punto de vista contribuyen a los guiones imaginativos que produce.
Considere el uso de la narrativa en Being John Malkovitch , como se mencionó anteriormente. Para explorar las profundidades de tu propia personalidad y a quien amas a través de los ojos de una persona pública popular, ¡El hombre es un titiritero, nada menos! Es como pelar una cebolla o entrar en una casa de espejos, el hombre que manipula títeres entra en la mente del actor, un titiritero de personajes. Maxine y Lotte representan su juego de roles transgénero, fomentando la idea de títeres o habitar un cuerpo que no es el suyo. Malkovitch finalmente entra en un mundo en el que todos se parecen a él. Craig el titiritero es el titiritero Malkovitch, a quien él mismo convierte en titiritero. La película continúa resonando y reflexionando sobre sí misma, como en una cámara de eco psicológico. Dos mujeres conciben un hijo cuando poseen el cuerpo de Malkovitch. Se cuestiona el patrimonio, la propiedad y la responsabilidad personal. Finalmente, Craig termina poseyendo el cuerpo de la bebé Emily, poseída por las mujeres que una vez amó, poseyó y finalmente no pudo controlar. Todo este absurdo está teñido de cierto grado de aburrimiento y tristeza. En lugar de contar una historia tradicional sobre la crisis de la mediana edad de un hombre como American Beauty o About Schmidt, Kaufman inventa un elaborado cabaret lleno de docenas de espejos, títeres, efectos de eco y el poder supremo de la ilusión: la posesión corporal. ¿Cómo nos convertimos en otra persona? ¿Nuestro mejor yo? ¿Un éxito? ¿Cómo accedemos a esas partes de nosotros mismos: oscuros y ocultos, temerosos y reales? Solo una película de Kaufman exploraría temas tan oscuros e introspectivos de una manera tan fundamentalmente absurda.
Eternal Sunshine of the Spotless Mind es esencialmente una historia de amor y una película sobre segundas oportunidades. Explora la idea de almas gemelas, y si aquellos que están destinados a estar juntos están inexplicablemente e incontrolablemente atraídos entre sí. Pero en lugar de contar una historia melodramática como The Notebook, Kaufman inventa una premisa realmente peculiar y extraña. Joel y Clementine estaban enamorados y rompieron dolorosamente. Teniendo un momento terrible, Clementine decide que sus recuerdos de Joel sean borrados o borrados quirúrgicamente. Al escuchar esto, y también afligido, Joel hace lo mismo. Joel y Clementine: los opuestos en casi todos los sentidos entablan una relación en un tren de Long Island Rail Road. Casi inmediatamente se sienten atraídos el uno por el otro a pesar de sus personalidades radicalmente diferentes. Aunque no se dan cuenta en ese momento, Joel y Clementine son, de hecho, ex amantes, ahora separados después de haber pasado dos años juntos. Gran parte de la película tiene lugar en la mente de Joel. A medida que se borran sus recuerdos, intenta evadir los efectos de borrado del procedimiento escondiendo a Clementine en partes remotas de su inconsciente. Joel se encuentra volviendo a visitarlos a la inversa. Al ver momentos más felices de amor con Clementine desde el principio de su relación, lucha por preservar al menos un poco de memoria de ella y su amor por ella. A pesar de sus esfuerzos, los recuerdos se borran lentamente, con el último recuerdo de Clementine diciéndole: “Encuéntrame en Montauk”. Nuevamente, tenemos personajes que se esconden y navegan por los cavernosos pasillos de la mente humana, como todos los personajes de Kaufman. Después de todo, son todos él, y su narcisismo olipsista se centra en su mente perturbada e inquisitiva, siempre analizando y teniendo que recordarse a sí mismo entrar en el mundo fuera de los límites de su propia cabeza. No desde Woody Allen hemos visto personajes que fueran tan cerebrales, absortos, necios, autocríticos y absurdamente tontos. Kaufman es más oscuro, sin embargo. Joel y Clementine descubren sus registros de limpieza mental poco después de reencontrarse en el tren. Reaccionan con sorpresa y desconcierto, dado que no tienen un recuerdo claro de haberse conocido, y mucho menos haber tenido una relación y haber borrado sus recuerdos. Joel quiere comenzar de nuevo, mientras que Clementine inicialmente se resiste, señalando que podría ir de la misma manera. Joel acepta esto, y deciden intentar una relación de todos modos, comenzando nuevamente su vida juntos. Esta es una historia de amor profundamente romántica en el fondo, y también una descaradamente optimista y optimista. Se trata de segundas oportunidades y amor verdadero, y Kaufman no podría haberlo dicho mejor.
Tal vez en su homenaje más personal y directo al teatro y al absurdo de Avant Garde, Synecdoche, Nueva York, cuenta la historia de un director de teatro enfermo mientras trabaja en una producción teatral cada vez más elaborada cuyo compromiso extremo con el realismo comienza a desdibujar los límites entre ficción y realidad. El título de la película es una obra de teatro en Schenectady, Nueva York, donde se desarrolla gran parte de la película, y el concepto de sinécdoque, en el que una parte de algo representa el todo, o viceversa. Esto no podría ser más cierto, ya que la vida de Caden Cotard se desmorona fuera de su enorme almacén, intenta crear una parte de algo, con la esperanza de que lo recupere. Él obsesivamente busca imitar perfectamente la vida real, mientras teme vivirla él mismo. A medida que pasan los años, el almacén en continua expansión está aislado del deterioro de la ciudad exterior. Caden se entierra cada vez más en su obra maestra, desdibujando la línea entre el mundo de la obra y el de la realidad al poblar el elenco y el equipo con doppelgängers. Por ejemplo, Sammy Barnathan es elegido para el papel de Caden en la obra después de que Sammy revela que él ha estado obsesivamente siguiendo a Caden durante 20 años, mientras que el personaje de Sammy es interpretado como Sammy. El propio interés de Sammy en Hazel provoca un renacimiento de la relación de Caden con ella. Una vez más, tenemos el tema común explorado en todas las películas de Kaufman sobre la exploración de la identidad al excavar profundamente en el cerebro de uno mismo o, por el contrario, probar la identidad de otra persona. Es mimético, reflexivo, resonante, esquizofrénico, y nos hace cuestionar la realidad tal como la conocemos. Después de cambiar de roles y complicar aún más la historia dentro de la historia y disolver por completo el dispositivo narrativo, vive sus últimos días como Ellen, la señora de la limpieza de Adele. A medida que la escena se vuelve gris, Caden dice que ahora tiene una idea de cómo hacer la obra, cuando la actriz que ahora interpreta su antiguo papel de director le susurra al oído y le da su señal final: “Muere”. Esta película podría haber sido escrita fácilmente por Samuel Beckett. Traza paralelos al clásico de un solo acto de Beckett, Endgame , cuyas líneas iniciales repiten la palabra “terminado”, y el resto de la obra rechaza la idea de que los comienzos y los finales están entrelazados, que la existencia es cíclica. Mientras Hamm y Clov están en el “final del juego” de sus vidas antiguas, con la muerte al acecho a la vuelta de la esquina, también están atrapados en un ciclo perpetuo que nunca permite el cierre final; Hamm afirma que quiere “terminar”, pero admite que él “vacila [s]” para hacerlo. Están solos y aislados en el espacio sin forma, obligados a realizar los movimientos, pero no se les permite (o no pueden) vivir vidas significativas fuera de sus paredes, o morir adecuadamente dentro de ellos. Los personajes están literalmente atrapados, ya sea por necesidad o por elección. en un espacio indescriptible en el tiempo, con presumiblemente ser y nada a su alrededor, y sin director sino ellos mismos. Kaufman sin duda ha leído todo este trabajo.
Kaufman es un genio, puro y simple. Su estructura narrativa, técnicas de trama innovadoras, observaciones absurdas de la vida, exploraciones surrealistas de identidad y responsabilidad personal, el grito existencial en la oscuridad y su introspección solipsista y fuga interrogativa de su propia mente y cordura son algunas de las muchas razones por las que es Uno de nuestros mejores artistas cinematográficos. Pero también son las razones que lo convierten en un anatema para el cine de Hollywood, construido sobre el modelo comercial de gran éxito de ventas. Kaufman puede ser apreciado y amado como director de culto, de la misma manera en que Wes Anderson y David Lynch son elogiados y considerados. Estas personas son geeks e intelectuales del cine, como sospecho que eres. Ciertamente lo soy. Siempre tendrá un lugar entre mi colección, pero nunca estará en el panteón de los cineastas de Hollywood. Oh bien. ¡Su pérdida!
